Nikki Columbus sobre la obra de arte en la era de la reproducción mecánica

LA MATERNIDAD ESTÁ DE MODA en el mundo del arte: un renacimiento, por así decirlo, no visto desde . . . bueno, el Renacimiento. Considerada durante mucho tiempo una responsabilidad profesional para los jóvenes artistas y trabajadores del arte, la maternidad ha sido adoptada como un tema por mujeres que tienen hijos a una edad mayor, después de lograr cierto nivel de éxito profesional, como se ve en trabajos recientes de Camille Henrot, Tala Madani, y Laurel Nakadate. El motivo se ha multiplicado en exposiciones temáticas con títulos tan imaginativos como "Mothering" (Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México, 2021–22), "¡Madre!" (Museo de Arte Moderno de Luisiana, Humlebæk, Dinamarca, 2021), "Madre" (Exposiciones de Mason, Arlington, Virginia, 2022), "Maternidad" (Oregon Contemporary, Portland, 2022) y "Maternidad de diseño" (2021– , múltiples lugares), y se ha multiplicado en libros y simposios, incluido How Not to Exclude Artist Mothers (and Other Parents) de Hettie Judah (2022) y la conferencia de dos días "(M)otherhood: Art and Life" en Tate St. Ives en Inglaterra (2023).

La última incorporación a esta lista se pudo encontrar recientemente en el acertadamente llamado Museo MADRE (Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina) en Nápoles. Curada por Florencia Cherñajovsky, la exposición "Think Tank: AGENTES REPRODUCTIVOS" prometía una perspectiva de futuro, que tomaría en cuenta cómo las biotecnologías han ampliado la gama de cuerpos que pueden crear vida. Casi todas las obras fueron realizadas en los últimos cinco años por un grupo internacional de trece artistas. Entonces, ¿por qué mi corazón se hundió mientras atravesaba una habitación tras otra? La exposición se duplicó en imágenes obvias: vientres distendidos aquí y allá, úteros incorpóreos por todas partes. En lugar de ofrecer un contrapunto histórico, los artistas establecidos no brindaron mucho más que reconocimiento de nombre. Mujer embarazada en traje de rayos X, un boceto de 1965 de Lynn Hershman Leeson que estaba atrapado en un pasillo, se sintió como un sustituto de un trabajo más interesante del artista. Y si bien brindaban placer visual, los dibujos eróticos en tinta de la década de 1940 del pionero del arte óptico Victor Vasarely fueron una inclusión desconcertante. (¿Una mujer que es cogida por un caballo realmente cuenta como "hibridación"?)

Las relaciones entre especies se exploraron de manera más significativa en el video de treinta minutos Reproductive Exile, 2018 de Lucy Beech, que considera cómo los tratamientos de fertilidad son impulsados ​​​​por el "trabajo de las mujeres" en todo el reino animal. ¿Sabías que algunos medicamentos destinados a estimular la ovulación se destilan de la orina de las mujeres menopáusicas? ¿O que otras terapias hormonales se elaboran con orina de yeguas mantenidas en un estado de preñez casi constante? (No se sienta estúpido; Donna Haraway tampoco.1) Bellamente filmada en tonos apagados y asépticos, la narración fracturada observa con calma a su triste protagonista, que ha viajado a la República Checa para buscar tratamiento de FIV y subrogación. Aunque la historia parece sacada directamente de la ciencia ficción distópica, se basa en los hechos: realmente existe una máquina bioprotésica del tamaño de un paquete de toallitas húmedas para bebés que imita el ciclo reproductivo femenino, aunque aún quedan por llegar modelos individualizados genéticamente.

Todos los personajes de Exilio reproductivo son blancos, lo que refleja el enorme gasto de un tratamiento de fertilidad y el deseo de sus beneficiarias de tener un hijo que “se les parezca”, como declara más de una vez el director de la clínica. En la siguiente sala de la exposición, la instalación de video de Tabita Rezaire Sugar Walls Teardom, 2016, una silla de examen rosa con estribos y un monitor de video, completó el trasfondo histórico. En medio de una mezcla posterior a Internet en Technicolor vívido (explosiones volcánicas, agua torrencial y modelos 3D flotantes de, sí, un útero), un texto animado reconoce a las mujeres negras que hicieron contribuciones científicas sin su consentimiento: Henrietta Lacks, cuyo cuello uterino canceroso las células han jugado un papel clave en los avances médicos de las últimas décadas; Anarcha, Lucy, Betsey y otras mujeres esclavizadas que se sometieron a horribles experimentos médicos a manos del llamado padre de la ginecología moderna, J. Marion Sims, a mediados del siglo XIX. El video concluye con un ritual de sanación cósmica de varios minutos de duración para úteros traumatizados.

Sin embargo, en esta presentación del útero autónomo faltaba un compromiso sostenido con el aborto. A pesar de la centralidad de este derecho humano básico en cualquier discusión sobre la reproducción, y su estado cada vez más amenazado, incluso en Italia, las únicas alusiones a él fueron las píldoras RU-486 con forma de misil y la percha en la aplicación de fieltro de Elektra KB "Protesta". Señales" (2021–). También estuvieron notablemente ausentes las familias queer y los cuerpos trans, aunque estos se mencionaron en broma en las etiquetas de las paredes (refiriéndose a obras no incluidas en la muestra).

La exposición dejó la impresión de que la maternidad es biológica, no relacional. Especialmente dada la reciente avalancha de escritos que buscan desplazar la reproducción sexual en la formación de familias (por Ruha Benjamin, Haraway y Sophie Lewis, entre otros), esta insistencia curatorial en los medios tradicionales de parentesco fue sorprendente y dio lugar a una visión limitada. sobre el tema. A pesar de la premisa declarada de ir más allá de la biología, la exposición acabó centrándola.

La biología es ciertamente central en "Cere anatomiche" (Ceras anatómicas), que se exhibe hasta el 7 de julio en la Fondazione Prada de Milán. Es cierto que esta exposición no es estrictamente "sobre" la maternidad; más bien, se centra en la descripción científica del cuerpo femenino de finales del siglo XVIII, que se definía por su capacidad reproductiva. La muestra presenta modelos de cera hiperrealistas, así como docenas de dibujos anatómicos tomados de La Specola, el museo de historia natural de Florencia, que está cerrado por renovación. Fundado en 1775, pocos años después de los Uffizi, el museo albergaba uno de los talleres de ceroplástica más destacados de la época. Las figuras de cera eran la tecnología preeminente para estudiar la anatomía humana cuando los cadáveres reales para disección eran difíciles de conseguir (y conservar); también proporcionaron entretenimiento popular (y excitación), y La Specola fue una parada importante en el Grand Tour. (La colección fue admirada por el marqués de Sade, que huyó a Italia el año en que se inauguró el museo, y la heroína homónima de su Juliette [1797] hace una visita respetuosa durante su viaje por carretera a la región).

Donde las habitaciones brillantemente iluminadas de La Specola estaban repletas de modelos, dibujos y especímenes, que se remontan a sus orígenes Wunderkammer, las galerías de Fondazione Prada poseen la lujosa extensión de un lujoso espacio comercial. En el piso superior del edificio Podium, envueltos en los suntuosos grises y marrones de las paredes de espuma de aluminio de calidad militar y los pisos de travertino rayado, cuatro figuras de cera de tamaño natural están separadas una de la otra, como víctimas de bombas acostadas en catres en un edificio de cinco. hospital de campaña estrella. Gran parte de la galería descansa en la sombra; la única iluminación proviene de los accesorios rectangulares sensibles al movimiento que cuelgan sobre cada vitrina. En las dos ocasiones que visité, las exhibiciones se sumergían continuamente en la oscuridad mientras yo y los demás espectadores miraban paralizados su abrumadora y misteriosa rareza.

A diferencia de otros modelos anatómicos de la época, estas figuras femeninas no se representan como cadáveres. Con los ojos abiertos y las cabezas echadas hacia atrás mientras se reclinan sobre colchones de terciopelo rosa cubiertos con seda color marfil, las figuras de cera se llamaban "Venus" debido a su belleza idealizada, así como, quizás, a sus débiles intentos de modestia (cf. El nacimiento de Botticelli). Venus, la Venus de los Medici, etc.). De hecho, algunas de sus recatadas poses se leen casi como una puñalada de humor negro: las piernas ligeramente cruzadas para proteger un punto de entrada (visual), mientras que, justo arriba, los torsos están separados: los senos se separan y se abren cuando las entrañas explotan hacia afuera. Aunque una figura parece intacta, su sección media se puede abrir y "diseccionar", revelando capas de órganos removibles y, finalmente, un pequeño feto. Otros nueve modelos de cera son secciones transversales del útero, cortadas a la mitad del muslo. Estos no solo representan la gestación sino también la actividad sexual policial, distinguiendo la "pudenda femenina de una virgen adulta" de la "pudenda femenina desflorada".

Es un material espeluznante pero fascinante, y pide contextualización. Desafortunadamente, no se ofrece mucho dentro del espacio de la exposición. (El tope de puerta de un catálogo, por otro lado, incluye docenas de textos, en su mayoría reimpresiones, de historiadores de la ciencia, el arte y la cultura visual). en el horror corporal. Su película más reciente, Crimes of the Future (2022), propone la cirugía como arte de performance y presenta un "concurso de belleza interior", un concepto sugerido por primera vez en Dead Ringers, su thriller ginecológico de 1988 (resucitado la primavera pasada como una miniserie con una genuina interés en la salud de la mujer, menos el estilo tenso del original).2 Cronenberg aconsejó sobre la selección de exhibiciones —según la introducción de Miuccia Prada al catálogo, "propuso una evaluación basada en el género"— y contribuyó con un (muy) cortometraje.

Lamentablemente, esto último es una decepción. Bellamente instalado dentro de una pequeña habitación octangular en la planta baja con contrahuellas de madera que flanquean una pantalla de doble cara, el video de cuatro minutos de Cronenberg saca a las Venus de sus cajas de vidrio y las hace flotar digitalmente sobre agua cerúlea que lame suavemente. (Se rumorea que el director imaginó que las figuras se balanceaban en la piscina del Château Marmont). El título loco, Cuatro mujeres sin amor, a la deriva en un mar sin propósito, experimente el éxtasis de la disección (2023), está subrayado por el banda sonora, en la que alguien parece haber dejado un grifo abierto mientras una mujer suspira y respira con dificultad, tal vez en el mismo receptor que Cronenberg solía llamar por teléfono en el trabajo.

Dicho esto, el cortometraje permite vistas de cerca y tonos vibrantes que no se pueden vislumbrar en la penumbrosa instalación de arriba. La cámara de Cronenberg, lánguida y pervertida, traza miembros translúcidos de piernas largas hacia arriba para rodear con amor los intestinos serpenteantes, parecidos a salchichas, antes de llegar a las miradas vidriosas de las figuras y sus labios ligeramente entreabiertos. Otros planos se centran en las zonas de incisión, el encuentro de la epidermis y las vísceras; el punctum abyecto en medio de toda esta carne y tejido son los mechones sueltos de cabello que se han escapado de las trenzas onduladas y los peludos peludos de las modelos. Otra ventaja es el desmontaje con lapso de tiempo de la Venus completa, aunque termina antes de revelar el feto. (¿Era este detalle vital e íntimo demasiado frágil o simplemente demasiado alejado de los intereses de Cronenberg?)

A pesar de los siglos entre las obras expuestas, las exposiciones de Nápoles y Milán tenían curiosas similitudes. Ambos presentaban de forma destacada órganos desprendidos. Ninguno presentó descendencia más allá del nacimiento. Y no aprenderá de ninguno de los programas que el embarazo es la parte menos interesante de la maternidad, ni siquiera es un requisito. Claro, el crecimiento de un organismo vivo dentro de otro todavía parece extraño y extraño (y alienígena) y, por lo tanto, puede ser visualmente atractivo. Pero restringir la reproducción a lo sexual ignora las muchas, muchas formas que los humanos han encontrado para formar vínculos, crear familias, cuidarse unos a otros y traumatizar a las generaciones venideras.

Nikki Columbus es una escritora radicada en Nueva York. Su conversación con la escritora Mirene Arsanios está incluida en la colección ¿Por qué llamarlo trabajo? Sobre la maternidad y el trabajo artístico (Mophradat y Archive Books, 2021).

NOTAS

1. "De alguna manera, una académica feminista de estudios científicos y amante de los animales de toda la vida, mi yo menopáusica no sabía mucho sobre las yeguas preñadas y sus potros desechables", escribe Haraway. "¿Me olvidé, nunca supe, no miré, o simplemente no me importó?... Los movimientos sociales por el florecimiento de los animales se habían fijado en esos caballos y habían hecho un alboroto muy efectivo al respecto, y estos movimientos estaban llenos de mujeres y hombres feministas. ¿Por qué no ¿Yo también? ¿Fue solo después de que resultó que la HRT probablemente dañó mi corazón en lugar de protegerlo que los caballos entraron en mi conocimiento?" Del capítulo 5, "Awash in Urine: DES and Premarin in Multispecies Response-ability", en Donna J. Haraway, Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene (Durham, NC: Duke University Press, 2016), 111.

2. Los verdaderos cabezas pueden comprar el NFT 2022 de Cronenberg, Inner Beauty: un JPEG de los cálculos renales del director.