Hollywood tomó la decisión calculada de dejar de hacer películas sobre sindicatos, y no es porque la gente no las estuviera viendo

La cuestión de cómo la industria explota el trabajo es tan antigua como el propio concepto de industria. Es el motor que hace funcionar las novelas de Charles Dickens, la jungla de The Jungle and Oil! de Upton Sinclair, la preocupación central del romanticismo británico y el objetivo de la lista legislativa de Franklin Roosevelt que establece una jornada laboral de 8 horas y crea un Departamento de Comercio y Trabajo. en la búsqueda de su visión utópica de una sociedad sin clases. FDR firmó la Ley Wagner, oficialmente la Ley Nacional de Relaciones Laborales, convertida en ley en 1934, otorgando a los empleados el derecho a formar y afiliarse a sindicatos y obligando a los empleadores a participar en negociaciones colectivas de buena fe. No fue altruismo. Roosevelt estaba respondiendo a una serie reciente de sangrientos conflictos laborales, tomas de fábricas y ciudades en los Estados Unidos. Esperaba que la negociación suplantara el derramamiento de sangre. Por un tiempo, lo hizo. Las representaciones cinematográficas de conflictos laborales a menudo se inspiran en las conflagraciones que estallaron en el país y en el extranjero antes de la Ley Wagner. El primer largometraje de Sergei Eisenstein, Strike (1925), utiliza el estilo de montaje transversal originado por Lev Kuleshov, cuya popularización se atribuye en gran medida a Eisenstein, y sigue siendo una versión sorprendentemente moderna de cómo los dueños de las fábricas tratan a sus trabajadores. La resolución de la película muestra al gobierno conduciendo a los trabajadores en huelga a un campo para ejecutarlos mientras se intercalan imágenes de un toro siendo sacrificado para subrayar el horror de la intervención patrocinada por el estado y, literalmente, cómo sus amos ven a los trabajadores. No es sutil, pero es perenne.

Otras grandes películas laborales incluyen la extraordinaria Matewan (1987) de John Sayles, que dramatiza una huelga de mineros del carbón de 1929 en un pequeño pueblo minero de Virginia Occidental; The Organizer (1963), de Mario Monicelli, aborda a los trabajadores textiles en Turín a principios del siglo pasado; The Molly Maguires (1970), de Martin Ritt, ensaya de manera sombría y ambigua una especie de terrorismo de base en juego en las minas de carbón de Pensilvania en 1876; How Green Was My Valley (1941) de John Ford (ahora injustamente conocida principalmente como la película que venció a Citizen Kane a la mejor película) presenta una huelga minera divisiva en su primera mitad, pagada en su segunda por un desastre minero en el siglo XIX Gales; y The Land (1970), de Youssef Chahine, detalla las luchas entre los terratenientes y sus arrendatarios en un Egipto bajo control británico alrededor de 1930. Todos catalogan el sufrimiento de los impotentes, obligados a trabajar para sobrevivir y dados por sentado por su desesperación. Cada uno termina en intervenciones violentas, a veces mortales, para forzar el cumplimiento. El intransigente The Killing Floor (1984) de Bill Duke agrega un fuerte elemento racial a estas historias, relatando la verdadera lucha de los aparceros negros pobres durante la Primera Guerra Mundial, uniéndose al sindicato Amalgamated Meat Cutters & Butcher Workmen of North America para organizarse contra el racismo generalizado y endémico. y una variedad de abusos cotidianos. Si bien cada una de estas películas se puede leer como metáforas de problemas que siguen sin resolverse, es más probable que se disfruten (o posiblemente se descarten) como piezas de época como artefactos de una era menos ilustrada que sufre humillaciones que los trabajadores modernos ya no tienen que soportar. A los poderes fácticos les gustaría que cada pulgada concedida fuera el último terreno otorgado, y las películas sobre temas progresistas de cualquier tipo tienden a hacer que aquellos que podrían marcar la diferencia se sientan como si ya hubieran dado en la oficina proverbial.

Más difícil de descartar es algo como La sal de la tierra (1954) de Herbert J. Biberman, con su elenco de actores profesionales y no profesionales, reunidos para protestar por el trato recibido a manos de un conglomerado minero de zinc que controla una ciudad poblada por sus empleados predominantemente mexicano-estadounidenses. Basado en una huelga de 1951 contra Empire Zinc Company en el condado de Grant, Nuevo México, parte de su indignación está en la nueva táctica rompehuelgas de la compañía de emplear la nueva Ley Taft-Hartley de 1947 que restringe una amplia gama de actividades de huelga y boicot de los sindicatos. , embotando muchos de los avances de la Ley Wagner de Roosevelt. Truman intentó vetarlo, pero fue anulado por un Congreso republicano. (No en vano, la Ley Landrum-Griffin de 1959 siguió diluyendo el poder de negociación de los sindicatos). Salt of the Earth, con un equipo creativo que había sido incluido en la lista negra del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes, procede con justa furia contra una fuerza policial que fue creada y solo ha sido eficaz como protector de la propiedad de los ricos, así como de corporaciones diseñadas, como todas las corporaciones, para cuidar solo de los bolsillos de sus accionistas. Ese mismo año, Elia Kazan, luego de dar nombres durante su testimonio ante el HUAC, realizó On the Waterfront (1954) con Marlon Brando y el guionista Budd Schulberg reescribiendo un guión escrito inicialmente por Arthur Miller. Su historia del ex boxeador y estibador Terry Malloy testificando contra sus líderes sindicales corruptos es sin duda un clásico, pero también está manchada de manera indeleble por Kazan usando el crimen organizado laboral como una tapadera, incluso una apología, de su propio comportamiento deshonroso. No obstante, la secuencia final en la que Malloy (Brando), golpeado gravemente, se tambalea para trabajar con la aprobación de sus compañeros manuales, sigue siendo un momento conmovedor en la carrera de uno de nuestros grandes actores, incluso si su eficacia como grito de guerra de la clase trabajadora es humedecido por causa de su creador. En verdad, tanto Salt of the Earth como On the Waterfront pueden ser desacreditadas como películas a favor de los trabajadores, o al menos distraídas de su mensaje sindical, por la dualidad de motivaciones de sus creadores.

Sin embargo, tres películas clave en la década de 1970 centraron los movimientos laborales mientras los obligaban a entrar en una conversación moderna. Son el impactante documental Harlan County, EE. UU. (1976) de Barbara Kopple, la populista y galardonada Norma Rae (1979) de Martin Ritt y el extraordinario debut como director de Paul Schrader, Blue Collar (1978). La más popular de ellas, Norma Rae, es posiblemente la menos eficaz. En él, Sally Field, quien ganó un Oscar por su interpretación de una trabajadora de una fábrica de algodón de un pequeño pueblo de Carolina del Norte, quien es convencida por el elegante organizador laboral de Nueva York, Reuben Warshowsky (Ron Leibman), para exigir mejores salarios y condiciones a sus amos. El campo es una fuerza de la naturaleza en él, pero gran parte del panorama es amplio y dado a la caricatura de clase. Es una explotación de prestigio. Al enterarse de que Reuben es judío, Norma Rae declara que él es el primero que conoce y que fue criada para pensar que eran monstruos inhumanos. Por su parte, desaprueba la calidad de los perritos calientes que se sirven en el partido de béisbol de la comunidad, que no son de Nathan. La película funciona mejor cuando trata sobre el conflicto entre los organizadores y la administración de la fábrica, pero pasa una parte importante de su tiempo de ejecución en tonterías de pez fuera del agua, el matrimonio de Norma Rae con el desaliñado compañero de trabajo Sonny (Beau Bridges) y su valor incontenible para responder a diversas situaciones. El momento clave de la imagen no es el inevitable paro laboral que se enmarca como la protesta pírrica que pone fin a Dead Poets Society (1989), sino una reunión temprana en la casa de Norma Rae y Sonny donde invitan a algunos de sus compañeros de trabajo negros a participar. De repente, Norma Rae reconoce, aunque solo sea por un segundo, la importancia de la interseccionalidad en la organización laboral y cómo el racismo se utiliza como una herramienta de división para mantener a los trabajadores fragmentados e impotentes. El resto, por desgracia, es principalmente un melodrama desvalido que se centra en el heroísmo individual de una mujer blanca. Es un entretenimiento soberbio, pero eso es realmente todo lo que es.

Harlan County, EE. UU., de Kopple, es, por el contrario, una película transformadora, un hito en el que Kopple utiliza como arma la teoría de los hermanos Maysles sobre el "cine directo" en el que el documentalista es estrictamente un observador de sus sujetos, lo que permite que las historias se desarrollen sin interferencias artísticas. . Kopple trabajó con los Maysles en sus documentales históricos Salesman (1969) y Gimme Shelter (1970) antes de comenzar su propia compañía de producción, cuyo primer proyecto fue Harlan County, EE. UU. Es uno de los héroes anónimos del mayor período del cine en la historia del medio. Tomaría cuatro años completarlo con Kopple escribiendo constantemente solicitudes de subvenciones desde el sitio mientras portaba dos armas debido a las amenazas de muerte de los propietarios de la mina contra las cuales se estaban organizando los mineros del condado de Harlan en Kentucky. El producto de su dedicación es una crónica aún inigualable de una época y un pueblo comprometidos en una batalla por la decencia básica contra una máquina capitalista totalmente desinteresada en ellos como algo más que grano para su empresa. Un minero jubilado cuenta una vez que le advirtieron que no llevara mulas a áreas inseguras de la mina. "¿Qué hay de mí?" él pide. Su capataz dice: "Siempre podemos contratar a otra persona, tenemos que pagar las mulas". Kopple proporciona métricas que muestran las escandalosas ganancias de la mina en comparación con la falta casi total de ajustes salariales de los trabajadores durante el mismo período. La disparidad de riqueza es impactante y resulta demasiado familiar para los espectadores modernos. La brecha de riqueza en los Estados Unidos nunca ha sido más marcada en 2023, los salarios están estancados, el activismo laboral está aumentando nuevamente, la gente está enojada y hay una escasez notoria de películas relacionadas con el trabajo. Más sobre esto en un segundo.

Blue Collar de Schrader (1978) es una película completamente negra, incluso nihilista, sobre trabajadores automotrices en el condado de Wayne, Michigan. La tensión en el set (Richard Pryor y su guardaespaldas golpearon a Harvey Keitel por arruinar una toma es la mejor historia) ayudó a crear una película de angustia y agresión sin alivio. Pryor, Keitel y Yaphet Kotto interpretan a obreros que conspiran para robar a su sindicato corrupto, solo para encontrarlos enfrentados con promesas de títulos sin sentido y aumentos salariales míseros. Lo que comienza como una película de atraco termina como una acusación devastadora de cómo la eficacia de los sindicatos se ve obstaculizada por la codicia de las personas en estrechos de cheque a cheque diseñados para mantenerlos en línea. Vincular la atención médica al trabajo es bárbaro, una abominación moral, y la falta de vivienda demuestra una amenaza existencial efectiva y constante sobre los antihéroes de la clase trabajadora de Schrader.

Barbara Kopple hizo otro documental extraordinario sobre un movimiento laboral en 1990, American Dream, y Boots Riley hizo el indescriptible y feroz Sorry to Bother You en 2018, una síntesis brillante y convincente de sátira racial y de clase que pinta una imagen terrible de los almacenes de Amazon. próxima evolución en colonia de trabajo penitenciario. De hecho, es tan brillante y tan profético que aún pasarán un par de años antes de que se vea como una sátira de ciencia ficción visionaria en lugar de solo maximalista. The Manchurian Candidate (1962) de John Frankenheimer fue percibido de la misma manera en su lanzamiento y ahora juega como una advertencia pintoresca que no pudo predecir qué tan mal se pondrían realmente las cosas. ¿Y más allá de eso? Un silencio notable en torno a lo que nuevamente es posiblemente uno de los temas más populares y apremiantes en los Estados Unidos.

Reagan despidió a 11.000 controladores aéreos en huelga en 1981, pero Joe Biden firmó una ley que prohibía a los trabajadores ferroviarios hacer huelga por mejores condiciones de trabajo y seguridad a fines del año pasado. Nada de esto es historia resuelta. El movimiento nacido en Buffalo contra Starbucks y las atroces y múltiples violaciones de la Ley Wagner por parte de esa compañía culminó en un testimonio humillante de su ex y futuro director ejecutivo, Howard Schultz, ante el Congreso. Todo retrocederá si no se marca. Nuestro planeta de simios tiende hacia la brutalidad. Los nazis están marchando sin capuchas y ganando cargos electos y el trabajo infantil se está volviendo, nuevamente, permisible en un mundo con una mano de obra de nivel inicial mermada.

De maneras muy reales en torno a cuestiones de diversidad y progreso social, Hollywood controla la narrativa popular y se ha descubierto, repetida y atrozmente, que no solo carece sino que es peligrosamente regresivo.

Y ahora, el Sindicato de Escritores de América se ha involucrado en un paro laboral, al que probablemente se unirán actores y directores a medida que expiren sus propios convenios colectivos. Tal vez la razón por la que no vemos más películas sobre trabajadores, y no las hemos visto durante algún tiempo, es porque lo mejor para Hollywood (un Hollywood en gran parte propiedad de corporaciones multinacionales si buscas una razón para preocuparte) es no fomentar el acuerdo. entre una fuerza de trabajo que actualmente solicita tan solo un 3% de participación en lo que es, según todas las cuentas (excepto la de Hollywood), hay un aumento de ganancias sin precedentes. De maneras muy reales en torno a cuestiones de diversidad y progreso social, Hollywood controla la narrativa popular y se ha descubierto, repetida y atrozmente, que no solo carece sino que es peligrosamente regresivo. Después de todo, no hay diversidad real en su clase dominante, y no se les puede enseñar mientras no tengan motivos para aprender. La única forma de llegar a las corporaciones, que no son personas, sin importar lo que permita la Enmienda 14, que ven el trabajo de otros como el producto de sus propias manos, es dejar de producir hasta que el dinero y las decisiones creativas en torno a su despliegue, se redistribuye a las personas que realmente hacen el trabajo. Mire el condado de Harlan, EE. UU. y Blue Collar para comprender cómo nunca se nos dio nada: solo ganamos. Mírelos para recordar que la política de división en todas sus feas formas beneficia solo a un lado. Por eso los sindicatos son importantes en todas las industrias. Es todo una pelea. Manténgase solidario o desperdicie su vida en el enriquecimiento adicional de los que ya son imposiblemente ricos.

Walter Chaw es el crítico de cine sénior de filmfreakcentral.net. Su libro sobre las películas de Walter Hill, con introducción de James Ellroy, ya está disponible.