Pasando a la clandestinidad: LÍNEA DE LA MUERTE (AKA CARNE CRUDA) A los 50

"Hay numerosos productos que puedes comprar para mantener a las moscas alejadas de la mermelada y a los ratones del queso. Aquí hay algo para mantener al público alejado de los cines... El director responsable es Gary Sherman [1] y me gustaría sentenciarlo a la Línea circular." ― Anónimo, Daily Express, Reino Unido, 1972 [2]

Políticos sórdidos y corruptos, bancarrota, desempleo masivo, políticas exteriores, atentados con bombas sancionados y exprimiendo el estado de bienestar... parecería que nada ha cambiado mucho en el Reino Unido desde 1972. De hecho, nada de esto se limita a una mentalidad de "pequeña Inglaterra": los ricos se llenan los bolsillos (y el vientre) mientras se alimentan de los pobres, mientras el resto del mundo se consume en el caos. Por lo tanto, no sorprende que el canibalismo y el colonialismo estén tan intrínsecamente vinculados, ofreciendo las más crudas analogías en tiempos de trauma colectivo bajo el gobierno conservador. A menudo, en estas historias, la ignorancia del hombre moderno invade algo que hemos dejado atrás y que nos consumirá a todos. Nativo, indígena, primordial; "incivilizado". El debut carnívoro de Gary Sherman, Dead Line, después de haber emitido su feroz advertencia hace medio siglo, todavía se las arregla para acercar la amenaza a casa, hurgando en la médula de Gran Bretaña y "el Establecimiento". A un paso de los efectos rancios de las producciones de Hammer y Amicus, esto es HG Wells a través del realismo descarnado [3] y la conciencia social de George A. Romero; una mordaz sátira clandestina que muerde el paisaje y hurga en los huesos con sangrientos detalles.

Cronología

Lanzado solo un par de meses después de The Man from Deep River de Umberto Lenzi, a menudo considerada la primera película caníbal, y casi una década antes de Holocausto caníbal de Ruggero Deodato, Death Line se preocupa más por los comentarios sobre el sistema de clases que por los aspectos más amplios del imperialismo. Tales temas a menudo se mostraban en las infames películas de explotación italianas (para bien o para mal), la mayoría de las cuales se convirtieron en ejemplos definitorios del subgénero. Menos de la jungla, estamos en territorio de leyenda urbana aquí, remontándonos a historias inspiradas en los primeros túneles excavados debajo de las industriosas ciudades del siglo XIX.

La muerte estaba en todas partes, y las ciudades crecieron, junto con todos los problemas que atienden a las masas. Después del Gran Hedor de 1858, el Parlamento Británico finalmente se dio cuenta de la urgencia de desviar los desechos del Támesis, un río de orina y mierda, para resolver el problema y crear un sistema de alcantarillado moderno [4]. La construcción coincidiría con los inicios del metro de Londres; la apertura del Ferrocarril Metropolitano en 1863 marcó no solo el primer túnel, sino también el primer ferrocarril subterráneo, que se expandió a lo largo del siglo, ahondando más y más alrededor de su capital. A partir de este momento, crecieron las leyendas victorianas; la afluencia de impresos masivos (y sus historias) inspirados por la excavación constante de túneles, que verían de todo, desde Penny Dreadfuls hasta editoriales que desdeñan la imaginación, y, a su vez, aviva el miedo y el frenesí.

Tomemos como ejemplo "Black Sewer Swine of Hampstead", en el que la gente creía que las alcantarillas de Londres estaban llenas de cerdos monstruosos. Algunos creían que estas criaturas algún día encontrarían una forma de salir de su sórdido hogar y provocarían disturbios en toda la ciudad, era una de muchas historias, esta basada en la loca idea de una cerda preñada que encuentra su camino hacia la alcantarilla, su descendencia mutada. por las aguas residuales de las que se alimentaban. No muy diferente a las leyendas urbanas estadounidenses de caimanes que vagan por las alcantarillas de Nueva York a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930.

Por supuesto, como ya se ha aludido, hay ejemplos clásicos en los que Death Line comparte otros paralelismos. Las observaciones satíricas de la novela de HG Wells La máquina del tiempo, la división (evolutiva) de los Morlock y los Eloi, fue una aguda metáfora de la división de clases. Wells también se sumergió profundamente en el potencial mítico de los sistemas subterráneos que alimentaron la conciencia pública. "En la Inglaterra victoriana, esa ficción jugaba con las ansiedades generales sobre el costo de la industrialización y el resultado lógico del capitalismo..." [5] De hecho, los ricos se hacen más ricos mientras que la clase trabajadora oprimida es relegada a vivir en la clandestinidad. Una condición "infrahumana" a la que se hace referencia elocuentemente en el siguiente pasaje:

"Entonces, al final, en la superficie deben tener los que tienen, buscando el placer, la comodidad y la belleza, y debajo de la tierra, los que no tienen, los trabajadores adaptándose continuamente a las condiciones de su trabajo". Condiciones que conducirían al canibalismo a medida que las "ricas" cosechas de los pasivos Eloi se convirtieron en su fuente de alimento. Territorio conocido…

Argumento

El viaje en el tiempo aquí involucra a Victoriana a través de Londres en 1972. Desde el desplazamiento, la cámara enfoca a un hombre de espaldas a la cámara que usa un bombín, una imagen de respetabilidad, yuxtapuesta por el espeluznante Technicolor de una carne Soho de los años 70. espectáculo; rígido paraguas en la mano, este es (aparentemente) un "viejo con mucho palo" que sale de un cabaret de striptease, mezclándose con la gentuza. Más tarde se hace evidente que es un funcionario llamado James Manfred "OB Bloody E", interpretado por James Cossins; uno de varios actores de comedia de situación británicos (básicos) en la película. Después de un altercado con una prostituta en la estación de Russell Square, es atacado por un asaltante invisible y, posteriormente, un par de estudiantes, el estadounidense Alex (David Ladd) [6] y su novia británica Patricia (Sharon Gurney), lo encuentran inconsciente. Cuando regresan con un oficial de policía, el cuerpo de Manfred ya no está.

Con más informes de personas desaparecidas en el mismo lugar, el inspector de policía Calhoun (Donald Pleasence) de Scotland Yard y su compañero, el sargento detective Rogers (Norman Rossington), comienzan a investigar más la situación. Pronto es sacado a la luz por otro colega, el inspector Richardson (Clive Swift), que los túneles debajo de Londres tienen una historia, una de las cuales involucró a los trabajadores ferroviarios victorianos, quienes en 1892 quedaron atrapados por un derrumbe y nunca rescatados por el empresa para la que trabajaban debido al costo. Criándose y alimentándose de la sociedad de la superficie durante generaciones, ahora parecería que sobrevivieron; al final de la película, un mausoleo de caníbales momificados para probarlo. Inmediatamente después de que Calhoun se entera de esta historia, pasamos a una escena crucial...

Filmada en un túnel en desuso en Shoreditch, una impresionante secuencia de siete minutos proporciona un travelling que comienza a dar vueltas y nos lleva a los sombríos espacios cerrados. Revelando carne y hueso, una rata muerde un brazo infestado de gusanos esparcido en el suelo húmedo. El goteo del agua se mezcla con el latido de un corazón que aumenta aún más la ansiedad de la toma, y ​​mientras la cámara sigue dando vueltas por el espacio, reconocemos a Manfred: ¿es este el latido de su corazón o el nuestro? ― antes de que se muestren otras víctimas canibalizadas colgando de las paredes. Es puro Madame Tussauds hasta que conocemos al "Hombre" ya la "Mujer" responsables.

Mientras tanto, a medida que se revelan las actividades cavernosas y carnívoras del Hombre, se nos muestra un marcado contraste (comodidades e incomodidades del hogar) entre el apartamento de lujo de Manfred y el subterráneo olvidado. Además de esto, está la burocracia, extendiéndose hasta (y revelando) el cameo de Christopher Lee como un misterioso agente del MI5; su gobierno encubre una llamada a los responsables de descartar a los trabajadores 80 años antes, pero también recuerda inquietantemente la paranoia que todos hemos enfrentado en los últimos tres años.

Línea de producción

Presentado por Jay Kanter y Alan Ladd Jr., trabajando fuera del sistema de estudio, el tono transnacional de Death Line resultó de seguir siendo una producción cinematográfica británica con un productor y director estadounidense (Paul Maslansky) a la cabeza. Ver la película y comprender a los involucrados tiene mucho sentido, ya que se alinea más con el horror estadounidense más nihilista de la época. A veces se siente como un precursor natural de The Texas Chain Saw Massacre, mientras que otros momentos te recuerdan la increíble cinematografía de Dean Cundey que capturó los efectos amorfos y nihilistas de The Thing de Rob Bottin. Parece haber una relación similar entre Death Line y el clásico de John Carpenter. Aquí, los efectos especiales de maquillaje del ganador del Oscar Peter Frampton (su padre veterano Harry en los diseños) también resisten los primeros planos extremos en todo momento. Fotografiado por el difunto director de fotografía Alex Thomson, cuyo trabajo incluyó Excalibur, Labyrinth y Alien 3, puso el listón muy alto para la mayoría en su campo. El arte no termina ahí. Debajo de su inquietante premisa hay mucho que amar de la película; un Pleasance anterior a Loomis que se inclina fuertemente hacia el estereotipo cockney; sus pequeñas peculiaridades de sonarse la nariz y exigir su "té". manteniendo sus procedimientos bastante alegres. La partitura del compositor Jeremy Rose y el rockero progresivo Wil Malone también es una firma, golpeando una extraña arboleda de cacofonía kitsch, un soplo de la partitura Get Carter de Roy Budd, que se desvanece en inquietantes ecos de gritos entre la tierra colapsada de los túneles.

Luego está la actuación de Hugh Armstrong como el Hombre. Ofrecido originalmente a Marlon Brando, quien tuvo que retirarse del papel debido a que su hijo estaba enfermo en ese momento, es difícil imaginar a alguien más en el papel, con Armstrong brindando una de las mejores actuaciones de terror que jamás haya visto. Hay una inocencia y una limitación similares a las de Groot en juego cuando expresa las únicas palabras que puede articular, "Cuidado con las puertas", repetidas con una entrega y un tono variados en lo que, en última instancia, se convierte en un intento desesperado de comunicarse y conectarse con el mundo de arriba. A pesar de su entorno sombrío, se muestra una naturaleza comprensiva cuando comenzamos a presenciar el dolor emocional y físico mientras atiende a su novia enferma, una dosis de vulnerabilidad similar al monstruo clásico de Karloff. La actuación física de Armstrong mientras intenta consolar a su compañero moribundo es inquietante pero igualmente entrañable, una escena clave para comprender el desarrollo del personaje.

Como se destacó, hay mucho para elevar la película por encima del territorio de la película B. Hábilmente dirigida, profundiza; el comentario "crudo" en sí mismo ayuda a revelar uno de los monstruos más simpáticos que se muestran en la pantalla mientras el Hombre murmura y arrastra los pies a través de su guarida, y se da cuenta de que es el último de su especie. Aunque las influencias originales de Sherman tienen sus raíces en gran parte de la misma inspiración espantosa que The Hills Have Eyes de Wes Craven, a través de Sawney Bean y su clan caníbal, Sherman todavía (milagrosamente) logró desviarse de tratarlo como un animal. El Hombre no ha conocido otra cosa, aislado de la sociedad, prestándole una apariencia de humanidad con la que somos (extrañamente) capaces de empatizar. Lo que se convierte en una exploración de los miedos básicos inherentes a la ficción victoriana y su obsesión por las contradicciones de la humanidad se muestra claramente en la dualidad de Jekyll y Hyde y los miedos primarios del monstruo de Frankenstein.

Un éxito moderado en ese momento, Death Line se ha mantenido como un clásico de culto pasado por alto; Guillermo del Toro y Edgar Wright entre los devotos más conocidos. Su relativa oscuridad a lo largo de los años puede atribuirse a cómo los distribuidores estadounidenses (que llegaron casi un año después, el 3 de octubre de 1973) manejaron el lanzamiento. Para evitar una calificación X, American International Pictures cambió el título de la película Raw Meat, empleando una campaña de marketing agresiva, un póster y un libro de prensa que empujaba el ángulo de explotación con algo más cercano a una película de zombis: "... la tierra de los MUERTOS HAMBRIENTOS". Desde otros eslóganes inexactos que se refieren a una tribu de caníbales, sus cuerpos con poca ropa pintados con ojos blancos deslumbrantes, hasta la copia que se aventura tan lejos como para describir cómo los cines deben configurar sus vestíbulos con carritos de carne, congeladores y ataduras de carnicerías. [7].

Todo esto le hizo un mal servicio a la película mientras en su camino hacia los Estados Unidos perdía todo sentido de su herencia; incluyendo los orígenes góticos y el comentario. Sin duda merecía algo mejor. Como señala Laura Mayne: "La película de Gary Sherman es un ejemplo desgarrador, brillantemente filmado y genuinamente aterrador del género, pero también es mucho más que eso; es una película muy atractiva y rica en detalles que desarrolla temas complejos sobre clase, irresponsabilidad y la alienación de la vida moderna". [8] Suena algo pomposo sugerir que una película de terror podría ser "elevada" en lugar de simplemente descartada como un gorefest (que es un comentario inherente en sí mismo), pero Death Line, a diferencia de los críticos y los políticos, siempre ha demostrado estar por delante. de la curva

Final de la línea

La influencia de Death Line en otros cineastas también parece ser obvia. Las comparaciones directas con An American Werewolf in London y su icónica escena clandestina ("Les puedo asegurar que esto no tiene nada de divertido") serían las más transparentes, ya que somos testigos, una vez más, de un pomposo británico a punto de ser comido vivo. Creep de Christopher Smith es otra película que comparte vínculos obvios (el asesino del metro seguro, pero sin el subtexto) junto con Ghost Stories de Andy Nyman y Jeremy Dyson. Esta última película, aunque tiene un sentido del humor negro subyacente, comparte un tono claustrofóbico similar y un monstruo trágico y simpático (humano) abandonado a pudrirse en una alcantarilla, que se revela a sí mismo a través de un giro final impactante.

Al ver la película tanto como un asalto a los sentidos como a los censores, incluso parece desafiar la burocracia de la propia industria cinematográfica (británica) que también ha estado asociada durante mucho tiempo con el establishment, manteniendo el control de lo que "vemos". Puede que hayan pasado cincuenta años, pero como un clásico de culto, continúa mostrando (sin censura) un mensaje claro sobre las desigualdades sociales, de las cuales los "líderes" británicos, en medio de un mundo plagado de plagas, se niegan a aprender. Para recordarnos a nosotros mismos una vez más a través de Jonathan Rigby, el Hombre "aunque desgarrado por la peste septicémica y dado a morder las cabezas de las ratas, es una figura intensamente comprensiva en comparación con las vidas marchitas y los valores distorsionados de aquellos 'por encima' de él; en medio de una degradación inimaginable , es infinitamente más humano que cualquiera de ellos". [9] Uno pensaría que ha habido algún progreso, pero solo dibuja más paralelismos con la desigualdad social que aún prevalece; desde el incendio de la Torre Grenfell (los ricos una vez más abandonan a los pobres con una falta de medidas de seguridad que recuerdan a los trabajadores subterráneos que cuestan demasiado para ser desenterrados) hasta la constante tormenta política y económica que ha seguido a una maldita isla flotando más y más lejos de Europa.

Parecería que el Establecimiento, durante esos espeluznantes momentos iniciales, está igualmente hambriento de carne, su corrupción y sus actividades carnales insinúan el canibalismo que seguirá; el político, por un momento inconsciente, arrastrado a la oscuridad por un monstruoso producto de su propia codicia y descuido. Obviamente no en el sentido literal, pero si alguna vez hubo un momento en que el Establecimiento fuera devorado vivo por los "enterrados" y olvidados, los silenciados, la columna vertebral de Gran Bretaña considerada como rechazada por la sociedad, sería ahora. Death Line puede no ser la más sutil de las películas para transmitir un mensaje tan importante, pero solo refuerza la obra maestra "underground" pasada por alto en el horror británico que sigue siendo la película.

Obtenga noticias semanales, editoriales, imágenes raras de la bóveda de Fango, ofertas especiales y más. Es como recibir un mini de FANGORIA cada semana en tu bandeja de entrada.